El Impostor.

Basada en una historia real, la película de hoy nos narra el insólito caso de Nicholas Barclay. Un chaval de 13 años que desaparececió en Texas en 1994, y apareció en España 3 años después afirmando haber sido secuestrado y torturado por una red de explotación de menores.

Lo primero que llama la atención del espectador es el enfoque que se le ha dado al rodaje. The Imposter es un falso documental «de libro»: sigue fielmente la fórmula de testimonios + dramatizaciones típicos del género. Y sin embargo no se parece en nada a esos telefilms baratos. Al contrario: sus valores de producción lo situan a la altura de los mejores thrillers del año. Un tipo de rodaje muy ambiental, dibujando una narrativa franca montada con habilidad para irse desgranando dato a dato hasta conocer todos los detalles del caso. En momentos puntuales emplea técnicas de vanguardia, como planos subjetivos intercalados, o montajes poco convencionales que aunque no son la tónica general, si lo enriquecen a nivel estilístico.

La trama es en realidad muy sencilla, pero es manejada con gran destreza para exprimir hasta la última gota de interés. Las actuaciones son lo mejor de la película: tan buenas que embaucan al espectador, hacen que este se olvide que los que hablan son actores y no los protagonistas reales de la historia. El guión está planteado inteligentemente, las diferentes reflexiones de los personajes no suenan forzadas en ningun momento  y se van cruzando entre sí hasta formar un mosaico que lo explica casi todo. Además de genuinas, dichas reflexiones están cuidadosamente construidas desde una perspectiva psicológicamente realista.

Conclusión:

Un poderoso relato sobre la identidad individual y la familiar. The Imposter es una película distinta a lo que estamos acostumbrados. Valiéndose de los mejores recursos expresivos de los thrillers injertados en un formato documental consigue dar lugar a un producto entretenido, que sabe proyectar fascinación para atraer al espectador y jugar con él. Todo ello sumado a una razonable duración hacen de este un must see .

Nota: 7/10

El Lobo de Wall Street

Jordan Belfort es un joven bróker que acaba de desembarcar en Wall Street. Despedido en su primer día, Belfort acaba vendiendo acciones de empresas ruinosas a pequeños ahorradores. No tarda en escalar posiciones en Wall Street y a medida que el tamaño de sus presas aumenta también lo hace el desenfreno con que rige su vida. Pronto entra en una espiral de drogas, sexo y dinero fácil que nada puede frenar. Bueno, casi nada.

Martin Scorsese nos deslumbra con su fascinante dirección que disimula en gran medida las carencias del guión. Enfocada desde una perspectiva muy focalizada, la trama deja muy poco espacio para todo aquello que se aleje mínimamente de los excesos del protagonista. Da una relevancia especial pues a las continuas bacanales y abusos de Jordan y de su camarilla apenas hilados con algunas pinceladas de su ascenso en Wall Street. Scorsese, cuya huella se hace patente en la transición del protagonista que recuerda sospechosamente al de Uno de los Nuestros, prescinde por completo de la ambientación sin molestarse ni en perfilar mínimamente el mundo financiero o en definir al reparto más allá de su relación con el protagonista.

Leonardo Dicaprio es el alma de la película. Con una actuación insuperable, marca el ritmo de las escenas durante toda la película y evita que decaiga la intensidad. Cuenta con un grupo de reparto que hacen constantes chanzas y que ayudan a dar mayor ligereza y evitar que las tres horas de rodaje se hagan muy pesadas, aun así casi, toda la atención se focaliza en Leonardo.

Conclusión:

Tres horas se hacen un poco excesivas para repetir los mismos conceptos una y otra vez. La evolución de la película es muy lenta y si no llega a ser repetitiva es gracias a la genial interpretación de Leonardo y la experimentada dirección de Martin Scorsese.

Nota: 7

Blade Runner

Vista con perspectiva, muchos consideran a esta película como la obra que consagró a Ridley Scott aún por encima de Alien. Lo cierto es que en 1982, en plena efervescencia del frívolo cine de acción ochentero, nadie daba un duro por una propuesta tan arriesgada como esta. Y esto es literal: Ninguna productora estaba dispuesta a sufragar los faraónicos gastos de unos decorados y props que parecían diseñados al servicio de la extravagancia. Pero la financiación logró llegar a tiempo. ¿Cómo habria cambiado la historia del cine de ciencia ficción de no haber sido así?

El apartado visual es simplemente soberbio. No solo en cuanto a recursos de rodaje: Los escenarios destacan especialmente, creando una atmósfera densa y creible que va absorbiendo inexorablemente al espectador. Pero el mejor aval de la calidad del apartado es sin duda la iluminación: Blade Runner emplea las luces como recurso expresivo: siluetas oscuras recortadas contra neones, claroscuros que esculpen las expresiones en los rostros, humo para aportar turbidez…etc. El uso de estos contrastes de luces y sombras duras son característicos del cine en blanco y negro pero aquí son aplicados con maestria, enriquecidos con los matices que aporta el color. Ponen el colofón los efectos digitales revisados y la extraordinaria remasterización de la versión Blu-Ray, que hace que parezca haber sido rodada directamente en digital.

Argumentalmente supuso un puñetazo encima de la mesa de la ciencia ficción. El futuro deja de ser una fantasia optimista y brillante, y se convierte en una oscura y plomiza distopía. Una carta abierta a la metafísica e introspección. Aunque hoy en día la historia pueda parecer algo escasa, hay que comprenderla en su momento y valorarla por su influencia en obras posteriores. Si se hallan presentes algunos simbolismos que  sirven para aportar capas de significado. El guión mantiene un nivel notable, con abundantes citas que ya han pasado (merecidamente) a la memoria colectiva del medio. Las actuaciones no se quedan atrás, aunque llama la atención el sempiterno Harrison Ford, que parece ligeramente aburrido durante toda la película.

Conclusión:

Antigua película de culto y reciente éxito comercial, visionado imprescindible para todos salvo para impacientes patológicos. No soy partidario de valorar una obra por su impacto, prefiero centrarme en su valor intrínseco… y sin embargo en este caso debo hacer una excepción y corregir al alza. Puede que Blade Runner no sea la mejor película de ciencia ficción, pero su apartado técnico, su audaz argumento, y su inolvidable ambientación y personajes son razones más que suficientes para hacerla digna de figurar entre los referentes intemporales del género.

Nota: 8/10

Valor de Ley

Después de que un peligroso forajido matara a su padre, Mattie, una niña de 14 años, contrata a un curtido cazarrecompensas, el alguacil Rooster Cogburn, para capturarlo y juzgarlo. Aúnan esfuerzos con un ranger de Texas que también persigue al delincuente por matar a un senador. Juntos se adentran en la Nación India en una intensa búsqueda de Tom Chaney.

Los hermanos Coen dan un lavado de cara al western americano y lo adaptan al cine actual. Y lo hacen con éxito. La trama de la película, mantiene el equilibrio entre la intensidad de la captura como entre las relaciones personales de los protagonistas aportan la necesaria profundidad para considerarla algo más que simple entretenimiento. Las escenas de acción son variadas y le dan un ritmo que evita que se haga muy pesada.

La ambientación está magníficamente recreada y con una visible inspiración en el western más tradicional. Hay que destacar una fotografía muy trabajada así como la banda sonora. Los hermanos Coen optan por rodaje más austera y crudo, mucho más efectivo que la sobreexposición y los desbordantes excesos de imaginación a que nos tiene acostumbrados Hollywood.

El reparto es otro de los pilares de la obra. Hailee Steinfeld se lleva merecidamente todo el reconocimiento, ya que carga con gran parte del peso interpretativo de la película. Cuenta además con la colaboración del versátil Matt Damon, que sin ser su mejor papel demuestra su solidez como actor. Normalmente me gusta destacar, si la actuación lo merece, la actuación de un personaje secundario pero que lo haga particularmente bien. En este caso, me refiero a Barry Pepper que da vida al líder de una banda de forajidos. Su excelente interpretación hace que me den ganas de que resuciten este género, que reconozco por lo general me parece muy cansino.

Conclusión:

No soy muy fan de los hermanos Coen. Reconozco que tienen alguna pelicula buena, pero por lo general me parecen muy sobrevalorados. No es el caso de Valor de Ley, en el que dan fe de una maestría que hasta ahora ignoraba. Sin duda es una a película a tener en cuenta tanto por su puesta en escena como por su enfoque.

Nota: 8

Ahora me ves…

La cinta que hoy analizamos es uno de esos casos en que la crítica se divive entre defenderla a ultranza o triturarla sin piedad. Y es que aunque la opinión experta esté polarizada, el público si que ha mostrado un entusiasmo más o menos unánime con la propuesta.

La película es se basa en la historia ficticia de un grupo de ilusionistas que actuan bajo el nombre artístico de «Los 4 jinetes». Convocados y reunidos por una organización desconocida bajo el pretexto de unir en un mismo espectáculo a los mejores del mundo, su propósito real parece ser algo distinto: Orquestar algunos de los robos más espectaculares de la historia.

Un nivel técnico con un desempeño más que correcto es el que predomina en todo momento. Pese a usar técnicas convencionales, el montaje dinámico y la originalidad de sus situaciones conduce un ritmo ligero y directo. Practicularmente conseguida está la ambientación que se hace eco de la pompa y el esplendor que caracterizan al mundo del espectáculo.

Argumentalmente la película gira en torno a la magia y al éxito. Aunque muy lejos de ser profunda, si que se desenvuelve bien en el ámbito de la comedia y la acción que van perfilando una trama desenfadada y buenrrollista. Buenas actuaciones para los integrantes del grupo, que personifican perfectamente ese desparpajo tan propio del mundillo.

Conclusión:

Aun careciendo de la calidad y la profundidad necesarias para convertirse en referente, lo cierto es que Ahora me ves… es una película entretenida y práctica, sin artificios (por paradójico que resulte). Si quieres pasar un buen rato sin pensar demasiado y estás dispuesto a perdonarle algunas situaciones cogidas por los pelos, sin duda disfrutarás de ella.

Nota:  6/10

El Hobbit. La Desolación de Smaug

Volvemos con la segunda entrega de la adaptación del cuento infantil El Hobbit. Aunque tiene poco que ver con el original puesto que más que adaptarlo, Peter Jackson lo reimagina.

En esta segunda parte, el hobbit y los enanos continúan sus andadas por la Tierra Media, adentrándose en el Bosque Negro donde se enfrentaran a espeluznantes monstruos. Tras superar multitud de peligros y encuentros con elfos, humanos y orcos consiguen llegar hasta la montaña donde dormita el feroz dragón Smaug. Sin embargo no es el fuego todo lo que tienen que temer estos aventureros, ya que una fuerza oscura está atrayendo el mal desde la sombras para descargar su golpe por sorpresa.

Como era de esperar, esta película está concebida como una transición donde se abren aún más tramas y no se resuelve nada, creando la atmósfera y elevando la tensión de la tercera entrega. Considerando esto, es de justicia analizar la película como una parte del todo y no por sí sola. Por un lado la película es entretenida. Como su predecesora, esta repleta de acción y de combates más o menos interesantes, y eso hay que reconocérselo con bastante variedad entre las distintas escenas de combate. Por desgracia, aquí terminan los cumplidos a Peter Jackson. Para prolongar la historia empieza a inundar la trama principal de tramas secundarias y a menudo completamente inventadas que lejos de aportar nada entorpecen la historia principal. Pero el peor error de esta saga, es que el director no sabe que a pesar de una ambientación común el Hobbit es radicalmente distinto al Señor de los Anillos y vuelve sobre los mismos tópicos y temas manidos y encima metidos con calzador.

Las escenas de acción, aunque inverosímiles están trabajadas y son muy entretenidas.

Conclusión:

En un principio no me importo que reimaginaran El Hobbit. La historia original no es para tanto, y con un poco de habilidad podrían haber dado forma a muchas tramas secundarias que Tolkien solo llego a dibujar. Ya puestos, incluso habría aceptado que se inventaran completamente la historia y nos trajeran una aventura épica con que llenar las 9 horas proyectadas. Por desgracia, me quedó la impresión de que va a ser una versión cutre del señor de los anillos con la misma historia de siempre. Así y todo merece la pena por la parte original que aún preserva y espero que mantengan en la tercera parte.

Nota: 6

El Truco Final (The Prestige)

Diríase que estamos en la «semana Nolan» del blog. Pero en realidad que ambos análisis compartan director se debe a un hecho fortuito. El Truco Final, dirigida en el 2006 por el susodicho y con Hugh Jackman y Christian Bale como protagonistas, es una película que sin duda merece nuestra atención.

La historia es sencilla a la par que original. Nuestra película de hoy arranca en el Londres victoriano tardío, al umbral del S.XX, donde nos son presentados ambos protagonistas. En un primer momento compañeros de trabajo en una troupe de ilusionistas, posteriormente adversarios irreconciliables. La ironía es que dicha rivalidad no surge de las diferencias personales, si no de las similitudes: Distanciados por un hecho muy concreto, ambos aspiran a convertirse en el mejor mago de la historia, pugna que podría haberse alargado indefinidamente de no ser porque uno de ellos consigue desarrollar «El Truco Final». Un artificio como jamás el mundo ha conocido.

Valorando la técnica no hay mucho que decir, pero todo es bueno. Nolan rueda con la misma solidez a la que nos tiene acostumbrados, planos más funcionales que artísticos, pero no exento de sugerentes movimientos de cámara y zoom (muy en su estilo), que cincelan una ambientación densa y bien trabajada. Una fotografía instalada en el claroscuro (sin implicar perdida de detalle) es sobre la que se construye ese universo sutilmente lóbrego.

El argumento es sin duda lo mejor de la cinta. Ya no es que sea original, además está bien llevado en todo momento. Tiende un poco a la repetición en el tramo central, pero no lo suficiente como para aburrir. Interpretativamente, el casting cumple sobradamente (salvo quizás cierto cameo histórico de dudoso parecido físico….), desenvolviendose en un mundo que trasmite frialdad e indiferencia. El tramo final termina siendo mucho más elaborado y sorprendente de lo anticipable.

Conclusión:

Aunque típica en sus formas, El Truco Final muestra un contenido poco acostumbrado, precedido por una narrativa de gran calidad que huye de la espesura por un lado, y de las prisas por el otro, hasta adquirir un ritmo intermedio con un cierto matiz de suspense. Lo que Nolan nos cuenta es una historia de dos magos rivales, lo que además esboza podría valer como ensayo superficial sobre la obsesión humana. Sin ser esta una propuesta particularmente espectacular, el hábil manejo de técnica y narrativa la hacen más que recomendable.

Nota:  7/10

El Caballero Oscuro

No es ningún secreto que no soy ningún fan de las películas de superhéroes que Hollywood nos encasqueta asiduamente, todas cortadas por el mismo esquema: una trama lamentable y personajes planos y estereotipados. Hasta que llegó Nolan y le dio la vuelta al género.

En esta segunda entrega, el crimen organizado y la delincuencia que antaño imperaban en Gotham están siendo acorralados por un puñado de héroes que siguiendo el ejemplo de Batman no temen hacer frente a los mafiosos. Todo cambia cuando entra en escena un estrambótico delincuente cuya firma es una carta del joker. Este pintarrajeado villano rompe el equilibrio de poder, y con sus demoledores e imprevisibles golpes pone en jaque a la ciudad de Gotham y desborda a las fuerzas del bien.

Chris Nolan redimensiona la adaptación del cómic y le da una profundidad a su obra sin precedentes en el género. El argumento, que sitúa la película a medio camino entre el cine de acción y el drama, está construido con esmero y prestando atención a los detalles. El tema de fondo de la película es la moralidad y nos la presentan desde las perspectivas de los distintos protagonistas y sus particulares visiones. Quizá su mayor virtud sea también su mayor defecto, pues aunque es cierto que la película es muy vibrante e intensa, también lo es que intenta abarcar demasiado y no consigue la profundidad pretendida.

Si hablamos del reparto, sin duda Heath Ledger es el alma de la película. Su interpretación del Joker es magistral, dando vida a un personaje magnético que acapara toda la atención cada segundo que aparece en escena. También cabe destacar la actuación de Aaron Eckhart con cuya actuación es el contrapunto del joker. El resto del reparto repite en esta segunda entrega, y mantienen el nivel de la primera parte.

El apartado técnico evoluciona respecto a la primera entrega, dejando de lado escenas demasiado espectaculares pero sin contexto. La acción está más condensada, pero resulta más efectiva e intensa.

Conclusión:

El Caballero Oscuro mejora cualitativamente a su predecesora y saca un mundo de distancia al resto del género. Una película inteligente y rápida. Únicamente se lamenta que parte de la energía se pierde en tramas secundarias que no llegan a desarrollarse y roban minutos de metraje de la trama principal.

Nota: 8

Oldboy (올드보이)

La película de hoy es unánimemente considerada como la obra cumbre de Park Chan Wook, director surcoreano que no necesita más presentación. Aunque confieso que no es mi favorita, no me cuesta imaginar porque es señalada como la mejor: Oldboy es una película excesiva. Excesiva incluso en el contexto de su filmografía previa, el diccionario se queda corto para  definir los excesos de un Chan Wook desatado, cuya genialidad atropella por igual a sus personajes y a sus espectadores.

Oldboy es la historia de O Dae-Su. Un padre de familia de costumbres disipadas. Un día es secuestrado por unos desconocidos y mantenido en cautiverio durante 15 largos años que irán minando su cordura. Cuando ya ha perdido toda la esperanza, se encuentra súbitamente liberado de su prisión y con una sola idea en la cabeza: averiguar la identidad de sus secuestradores, los motivos tras su secuestro, y lo más importante: consumar su venganza.

El argumento es el único apartado no sobresaliente: a pesar de ser bastante elaborado tiene varios altibajos, le falta verosimilitud, se nota impostado y tendente a caer en el efectismo. Esto no supone un problema teniendo en cuenta que se trata de un película conceptual, al igual que sucedía en Sympathy for Mr. Vengeance. A pesar de lo trágico de la trama, el director sabe dar algunas puntadas de humor macabro con un cierto componente absurdo. Por otra parte, el guión alcanza momentos de genialidad, con frases dignas de la posteridad, en resonancia con la ya acostumbrada (y excelente) narrativa visual del director.

Técnicamente estamos ante una obra extraordinaria. Esta película es sin duda un referente absoluto del vanguardismo cinematográfico:  tanto el sofisticado sentido de la estética del director como sus amplios conocimientos técnicos dan vida a un sistema de imágenes poderosas: atípicas a la par que inteligibles, alcanzando una intensidad pocas veces vista y montadas con gran precisión. No es de extrañar que sus planos,  sus técnicas de rodaje,  sus recursos de montaje…etc. sean objeto de estudio en muchas academias de cine y libros especializados. A ello contribuyen una fotografía no menos extraordinaria, que despunta con un magistral uso de la iluminación y los filtros, así como una OST a la altura del conjunto.

Por último, pero no menos importante: las actuaciones.  El casting hace un trabajo perfecto que incluso compensa las carencias de la trama. Los personajes de Oldboy, principales y secundarios, mantienen el tipo aún en las más extremas situaciones. Especial mención merecen Choi Min-Sik y Yoo Ji-Tae, cuyas interpretaciones resultan sobrecogedoras.

Conclusión:

A Park Chan Wook le importa un pimiento la corrección política. Esta es una producción alimentada por una violencia visceral, ambientada en un microcosmos oscuro y obsesivo en el que viven monstruos humanos.  Valiéndose de una técnica magistral sostenida sobre un apartado visual impecable,  Chan Wook nos traslada a este salvaje y disfuncional universo. Esta no es una película para personas impresionables, tampoco para los que busquen una experiencia al uso. «Aunque no sea más que una bestia, ¿acaso no tengo derecho a vivir?» Si, Oldboy… Tienes más derecho que nadie a vivir en una industria tan empachada de autocomplacencia y dinero fácil, en la que el arte, el talento y la originalidad son especies en peligro de extinción. Ójala, digo, hubiera más bestias como tu.

Nota: 9/10

Slumdog Millionaire

Aclamada unánimemente por la crítica, uno se pregunta qué tiene esta película que fue la sensación del momento. Aunque no destaca especialmente en ninguno de sus apartados, el gran atractivo de Slumdog millionaire es la forma tan curiosa y original en que se nos presenta una historia, por lo demás bastante convencional.

Jamal Malik es el concursante de la versión india del concurso ¿Quién quiere ser millonario? A pesar de haber crecido en la calle y casi sin educación, se muestra imparable en el concurso acertando una tras otras todas las preguntas que se le plantean. Detrás de cada respuesta hay una historia que nos adentra en la infancia y juventud de Jamal y su hermano Salim, y las dificultades que tienen que afrontar para sobrevivir entre la pobreza y miseria de la India. Como plano de fondo de esta historia, permanece latente una historia de amor entre el protagonista y Latika, una huérfana de su edad.

El director construye la trama de una forma muy curiosa aunque consigue un resultado muy logrado. Utilizando el concurso como nexo de unión de la trama, el argumento se construye a partir de historias individuales del protagonista que de una forma amena consigue mostrarnos distintas realidades de la India, como la miseria o los conflictos religiosos, pero también las coloridas tradiciones y costumbres. Además, gracias a que las historias se presentan en orden cronológico ayuda a crear una visión de conjunto omitiendo las partes más intrascendentales.

Imitando el estilo de Bollywood, pero ahorrándonos sus interminables coreografías, la temática abusa del colorido de la India de un optimismo a veces demasiado artificial. Aun así logra una fusión complicada entre el cine occidental y el indio.

Las actuaciones en general son muy sólidas, sobre todo la del carismático protagonista (en su versión adulta). Quizá la única excepción sea la del presentador de televisión, cuyo comportamiento es incomprensible.

Conclusión:

Danny Boyle demuestra un gran talento con esta obra. Si le añadimos al exotismo de la cara oculta de la India, nos tragamos encantados una historia que contada de otro modo hubiera sido bastante convencional. El único defecto vistoso que le encuentro, aunque según creo es intencionado, es que aunque la temática central de la película es la miseria y la pobreza, la película destila un tono demasiado alegre y algodonado.

Nota: 8/10