Profesor Lazhar

Si tuvieramos que clasificar esta producción canadiense (rodada en francés quebequoi), sería sin duda un drama. Aunque más revelador sería enmarcarla dentro del subgénero de «Películas de maestros». Ya sabéis, el tipo de cinta que muestra a una clase sumida en diversos problemas, que se verán solucionados con la llegada de un nuevo profesor que viene a ilustrar los más altos valores de su profesión. Siendo sinceros, la propuesta resulta poco original, nos la han contado ya más de una docena de veces. Y eso quieras que no, desluce bastante el resultado global.

La historia se centra desde el comienzo en su protagonista. Bashir Lazhar, un afable profesor argelino que llega a un instituto de Quebec para hacer una sustitución. Sin embargo, la clase que se encuentra está enrarecida por un suceso traumático sucedido poco antes. Por si eso no fuera suficiente impedimento, existen obvias barreras culturales entre una clase canadiense de hoy en día y un profesor extranjero bastante chapado a la antigua. Lazhar deberá poner en orden su clase al mismo tiempo que pone en orden algunos asuntos de su pasado. Un pasado que podríamos definir como turbulento.

En el plano técnico manda el minimalismo. Minimalismo narrativo y visual. Si bien la fotografía carece de defectos evidentes, las escenas están por lo general vacias de todos los elementos no necesarios, dando una cierta sensación de simpleza en el apartado. No sabemos si esa simpleza es un descuido al planificar, o un hecho intencionado para transmitir imágenes calmadas a los espectadores. El montaje es correcto: Aún a pesar de las carencias argumentales que ya comentaremos, se las apaña para mantener un ritmo pausado pero constante, que invita a relajarse y dejarse llevar. La BSO también es correcta, destacando sobre todo en un par de piezas de piano bastante inspiradas que logran crear una atmósfera muy adecuada. Quizás lo mas destacable del apartado sea la actuación del protagonista, que interpreta su papel a la perfección.

Lamentablemente, al entrar a valorar su narrativa y su trama no podemos ser tan indulgentes. A la poca originalidad de la propuesta se le suma una manera muy tibia de narrarnos la historia, quizás huyendo del efectismo o por miedo a caer en excesos dramáticos, lo cierto es que resulta insuficiente: mantiene el interés pero no llega a implicar al espectador en ningún momento. Además adolece de algunos problemas de fondo: Y es que cuando averiguamos el pasado del profesor nos damos cuenta de lo predecible que resulta el conjunto. Estos elementos configuran globalmente una historia que no destaca particularmente en las formas, y que escasea en contenido (teniendo en cuenta su duración).

Conclusión:

Se trata de una película que no comete grandes errores, pero a costa quizás de renunciar a los grandes aciertos. Argumentalmente insípida, aunque muy sencilla de digerir por su ritmo paulatino y poca ambición narrativa. La falta de originalidad y de un cierto factor de impacto la condenan al montón de películas de temática similar. Aún así, si te llama la idea, merece al menos un visionado.

Nota: 6/10

Dredd

Cuando uno se sienta a ver una película de acción, conviene verla sin demasiadas expectativas, ya que todas suelen ir cortadas por el mismo patrón, prescindiendo por completo de cualquier argumento y con tiroteos absurdos que dan lugar a bodrios increibles. Por eso, me sorprende especialmente las películas que sin más afán que entretener no renuncian a la coherencia.

En un futuro apocalíptico, Megacity Uno es una inmensa megapolis que cubre toda la costa Este. Con cerca de ochocientos millones de personas, el crimen impera a sus anchas. Para contener esta desbordante criminalidad, las fuerzas del orden o “Jueces” son a la vez policía, juez y verdugo ejecutando las sentencias al instante. Cuando el juez Dredd y la aspirante a juez Anderson, una mutante con poderes psíquicos, llegan a un bloque de viviendas para resolver un triple asesinato rutinario, su camino se cruza con el sanguinario clan de ma-ma y las cosas se complican enormemente.

Dredd es una película esencialmente de acción, pero que a diferencia de la inmensa mayoría de películas de este género, no renuncia al argumento. Es cierto que el argumento es muy directo y sencillo, pero esta muy bien desarrollado y mantiene el interés altísimo durante toda la película. Los tiroteos son impactantes y muy sangrientas, aunque mantienen mantienen el realismo y evitan caer en desenlaces absurdos, además de introducir un mínimo de variedad entre un combate y el siguiente.

El apartado técnico está muy conseguido, con una puesta en escena muy cuidada. Además, el director tuvo algunos ramalazos artísticos, con escenas rodadas a cámara lenta y colores muy brillantes. Ambientada  en una temática punk, la banda sonora está elegida cuidadosamente dando mayor cohesión al conjunto.

En el plano de las interpretaciones, las actuaciones son bastante neutras, y únicamente destaca un poco la malvada ma-ma, interpretada por Lena Headey.

Conclusión:

En Dredd, los recursos de que disponen han sido administrados eficazmente dando lugar a que el resultado es mayor que la suma de las partes, destacando entre las películas del género pese a su sencillez. Esperemos que ayude a los directores a ver de lo que es capaz un argumento coherente.

Nota: 7

Escudo Humano (Human Target)

Cristopher Chance es un experto en seguridad privada. Y no me refiero a esos señores vestidos de ujier, que llegan a casa en moto e instalan alarmas. Me refiero a un auténtico profesional de la seguridad, un super-guardaespaldas habituado a las más extremas situaciones, capaz de desbancar al mismo diablo si la ocasión lo requiere. La serie recoje su día a día, coincidiendo la mayor parte de los capítulos con un caso diferente.

Dudo mucho que esta serie haya cosechado grandes premios o menciones. Argumentalmente es demasiado simple para ello, y siendo rigurosos no aporta nada al ya más que trillado género de las «series de acción». Todo muy espectacular, muy inverosímil, y en ocasiones absurdo hasta decir basta. Sin embargo no todas las series pueden ser igual de ambiciosas, y en ocasiones nos encontramos con propuestas que aún careciendo de brillantez, ofrecen bastante entretenimiento y resultan agradables de ver.

Técnicamente tenemos un rodaje muy funcional y correcto del que no podemos destacar nada. Entrando a valorar la historia: es bastante plana y se nota que está dirigida hacia la acción pura dejando las tramas como meras excusas para hacer volar coaas por los aires. Otro punto a tener en cuenta es que la serie presenta algunos altibajos, hay capítulos que están realmente bien planteados y en otros el interés decae bastante. Lo que si que es cierto es que los capítulos son bastante variados entre sí,  y presentan situaciones bien distintas que evitan que la serie se haga repetitiva a pesar de estar basados en una mecánica tan sencilla.

Hasta ahora tiene todos los ingredientes para ser una serie del montón, como hay miles, que pasaría por la parrilla sin pena ni gloria, pero… Y es que hay un pero: Es muy entretenida. Pese a los defectos ya comentados es una serie trepidante,  ligera y muy directa. Ideal para despejar la mente y pasar un buen rato. Los protagonistas funcionan realmente bien en pantalla, tienen carisma. Mención especial para ese toque desenfadado (probablemente heredado del cómic) que impera en todo momento. En resumen: La serie consigue enganchar, a pesar de los pesares.

Conclusión:

Se habla de películas palomiteras, pues esta es sin duda una serie palomitera: Si buscas una serie divertida, directa, y no intentas buscarle más profundidad de la que tiene (que insisto, es poca) Escudo Humano es sin duda una muy buena elección.

Nota: 3/5

Dentro del Laberinto

Hay cierto tipo de películas que se deberían clasificar en un género propio y singular, como  el género cartón-piedra. No me estoy refiriendo a esas películas cutres de serie B como el Capitán Trueno, sino a ese género particular que se dio en los años ochenta caracterizado por peliculas de fantasia donde muñecos y marionetas conviven con actores y escenografía de cartón-piedra que pese a los años siguen conservando un cierto atractivo, aunque solo sea para rememorar, como es el caso de Dentro del Laberinto.

El Laberinto es el libro preferido de Sarah, una niña de trece años malhumorada por tener que cuidar a su hermano pequeño una noche que sus padres salen de casa. Enfadada por los constantes lloros de su hermano, pide a Jareth, rey de los trasgos, que se lleve a su hermano. Inexplicablemente, los llantos cesan de inmediato y descubre que su hermano ya no está. Advertida por Jareth, Sarah tiene 13 horas para atravesar el laberinto, como en su libro favorito, y llegar al castillo del rey de los trasgos para recuperar a su hermano. Si fracasa, esté se convertirá en un trasgo. Durante su aventura irá haciendo nuevos amigos a la par que aprende varias lecciones empezando con que hay que tener cuidado con lo que se desea, no vaya a ser que se haga realidad.

Aun siendo concebida para un público infantil más que adulto, Dentro del Laberinto es capaz de enganchar igual de bien a unos que a otros, además de que muchos de los monstruos pueden causar pesadillas. Conceptualmente, la película es una historia de aventuras, en la que la protagonista, una heroína, debe ir resolviendo enigmas y superando los obstáculos para liberar a su hermano. Esta aventura, entretenida de por sí, se ve amenizada ocasionalmente con canciones y curiosos personajes que dan lugar a insólitos diálogos.

La ambientación es completamente artesanal, algo que hoy día ya es imposible encontrar. Predominan los muñecos de trapo y marionetas, muy cuidados, y unos decorados de cartón-piedra, que lejos de ser burdos ayudan a crear una atmósfera fantasiosa. La banda sonora es uno de los pilares centrales de la película, a la que se le da un papel principal en la película, patente en el hecho que uno de los dos actores sea músico.

Conclusión:

Dentro del Laberinto tiene el estilo de cuento infantil tan particular de Jim Henson, en el que la película es un cuadro que evoca épocas antiguas y llenas de monstruos. Para ver este tipo de películas es necesario superar la reticencia a viejo que desprende por todos sus poros porque aunque a la larga este género puede hacerse un poco repetitivo, de vez en cuando es agradable perderse en alguna de estas joyas del cine.

Nota: 7

Win Win (Ganamos todos)

Mike Flaherty es un abogado al borde de la ruina. Con una reducida cartera de clientes que se reduce más a cada día que pasa, enfrentándose a deudas crecientes y con una familia que sacar adelante, su situación dificilmente podría ser más desesperada. Solo su hobby de entrenar al equipo de wrestling del instituto local logra abstraerle de su triste realidad. Un día, en un acto de moralidad dudosa, Mike decide aceptar la tutela de un anciano al que ni siquiera conoce con tal de cobrar el dinero de su manutención. Esta aparentemente simple decisión desencadenará una serie de acontecimientos impredecibles con consecuencias inesperadas.

Hablando sobre el apartado técnico. Tenemos una película funcional y muy directa, sin ornamento alguno. El desempeño de la fotografía es más que correcto aunque no llegue a destacar demasiado por si sola. El tipo de montaje es todo un acierto: cuando uno se mete en el género de lo cotidiano, es muy facil que el ritmo se atasque y decaiga el interés. No es el caso, pese a que no se traten temas particularmente impactantes el ritmo conseguido es ligero, y la película no se llega a hacer larga en ningún momento.

Entrando en detalles menos objetivos: Las interpretaciones tienen un nivel más que notable. Especialmente destaca el protagonista (Paul Giamatti, AKA John Adams) que parece habituado a su papel desde el primer instante y transmite una gran credibilidad al conjunto. El resto de personajes mantienen, aunque no superan dicho nivel.

En cuanto al argumento, no es nada especialmente elaborado como podemos entrever con la sinopsis. Pero la historia está bien contada y se nota el cuidado puesto en las formas de hacerlo, resultando en la percepción de que la película es mejor de lo que ya es. La trama pese a algún pequeño giro es muy sencilla, pero ello no le impide encerrar una moraleja que en realidad es muy facil de captar: Y es la de no perder la esperanza, porque por muy adversa que parezca la situación, a veces la solución se presenta por si sola y de la manera más insospechada.

Conclusión.

Win Win es una película poco ambiciosa, pero bien planificada y acabada. Sus mejores bazas: su ritmo ligero y sus buenas interpretaciones. Recomendable si no te importa el hecho de que no invente absolutamente nada, ni destaque demasiado en ningún apartado. Si estás buscando un tipo de cine asequible para descansar del estrés laboral o estudiantil, y te llama la propuesta, no te arrepentirás de verla.

Nota: 6/10

Gran Torino

Protagonizada y dirigida por Clint Eastwood. Por regla general esta descripción es garantía suficiente de calidad y originalidad en una película, si le disculpamos algún que otro traspiés como J. Edgar. Y también es habitual en él que nos sorprenda, que cuando nos hemos hecho una idea de como es la película, está cambie diametralmente de enfoque y transcurra por otros derroteros poco antes insospechados.

En este caso, Clint interpreta a un jubilado americano de muy mal genio, Walter Kowalski. Viudo y distanciado de sus hijos, la vida de Walt parece abocada a la soledad acompañado únicamente de su perra y su Gran Torino. Veterano de la guerra de Corea, es intransigente con los cada vez más numerosos inmigrantes asiáticos que se instalan en el barrio desplazando a los blancos de los tradicionales barrios populares para gente de clase obrera. Sin embargo, tras un incidente traba contacto con estos asiáticos, y empezará a ver las cosas de otro modo.

Con este planteamiento tan sencillo se las arregla Eastwood para construir una interesante historia sobre los cambios y la renovación. Resulta poco creíble que una persona tan mayor sea capaz de cambiar tanto, sin embargo es una licencia que hay que concederle en favor de una buena historia. La historia toca varias temáticas como el racismo o la amistad, aunque de fondo muestra sutilmente la contraposición de la vejez y la juventud.

El plano técnico de la película es muy simple y directo, y todo el peso de la película recae casi por completo del protagonista, teniendo el resto de personajes un papel muy marginal. Afortunadamente, Clint se mueve como pez en el agua, y encarna con maestría a su arquetípico personaje de viejo gruñón. La banda sonora corre a cargo de su hijo, que lo hace razonablemente bien.

Conclusión:

Es difícil resistirse al cine tan característico de Clint. Sus actuaciones por lo generales son creíbles y firmes, aunque su verdadero talento se ha manifestado como director. Gran Torino es una película con un deje costumbrista, pero mucho más rápida. Imprescindible para los amantes del cine.

Nota: 8

Melancolía.

Se mire como se mire, Lars Von Trier es un director polémico. Adorado pon un sector del público que lo considera un genio visionario creador de un arte capaz de conmover nuestra alma inmortal. Y defenestrado por un sector algo mayor que lo consideramos un director mediocre y trilero, capaz de disfrazar en la excentricidad su falta de talento. El espectador medio lo más probable es que ni siquiera haya oído hablar de el: No podemos obviar que el interfecto fue uno de los creadores del Dogma del 95: Un conjunto de reglas y convenciones destinados a crear un estilo propio dentro del cine independiente. Hay quien opina que en pro de la experimentación y el ensayo cinematográfico. Personalmente me parece más plausible como subterfugio, una vez más, del talento del que carece. En cualquier caso, independientemente de mi apatía manifiesta hacia el director, intentaré ceñirme a los aspectos más técnicos y ser justo en el análisis.

El argumento es sencillo: Melancolía es un planeta errante que está atravesando nuestro sistema solar. Con tan mala fortuna que lo hará en rumbo de colisión con la tierra, lo cual afectará a los personajes y a sus relaciones ante una muerte inminente. La idea es buena, y el enfoque no es malo en absoluto. De entre los personajes, la que tiene más peso narrativo e interpretativo es Justine (Kirsten Dunst), la protagonista que acaba de casarse y está a punto de llegar al banquete donde le esperan sus invitados.  Es a través de su perspectiva como nos será narrada la mayor parte de la película. Tratándose de una cinta de arte y ensayo, está claro que más allá del sencillo argumento tiene que tenel una lectura conceptual gobal. En este caso, el mensaje que transmite queda claro casi desde el primer minuto: Los personajes representan a todo el género humano,  siéndonos presentados en un ambiente aislado, como si fueran los únicos habitantes del mundo. Dichos personajes se revelan como seres frívolos, egoístas y mezquinos; en un ambiente lujoso y decadente.

A nivel técnico no está mal, aunque dista mucho de ser un referente. Los encuadres son adecuados, y algunos poseen notable fuerza y valor artístico. La mayoría no obstante, oscilan entre lo convencional y lo arbitrario. Las mejores tomas son sin duda con las que abre la película. Bastante abstractas y no del gusto de todos, pero bien realizadas y con un acabado sólido. Lamentablemente las ocasiones en que se alcanza tal nivel, se pueden contar con los dedos de una mano durante el resto de película. El guión peca de simple y de trivial, a la medida de unos personajes mal caracterizados e irregularmente interpretados que no llegan a convencer salvo en contadas ocasiones. Y este problema invade también la trama, porque aunque el concepto podría haber sido interesante lo plasman de una manera que aburre hasta a las piedras. «No me creo a los personajes» y «No me interesa lo que me cuentan» fueron los dos pensamientos claves que poblaron mi mente desde los 10 primeros minutos hasta los créditos del final. Y eso en una película que se vende como sorprendente y cautivadora, lo dice todo.

Conclusión:

Pese a algunos aciertos técnicos y estéticos, el grueso de la película tarda poco más de 5 minutos en desplomarse. Los problemas: múltiples. Un argumento guiado por el tedio que transmite un mensaje bien escogido, pero que no da para llenar un largometraje y cae en redundancias e hiatos innecesarios. Unos personajes psicológicamente falsos. Por no hablar de incontables escenas insípidas que pululan a lo largo de un montaje incapaz de revitalizar el conjunto. Quizás como cortometraje habría sido genial, ya que muchas escenas se podrían narrar en unos pocos segundos mediante metáforas visuales, y ello permitiría contar lo mismo en menos tiempo ganando intensidad y sin lastres argumentales. Pero no es un corto, y como película deja mucho que desear. Le sugiero al señor Von Trier que se mire al espejo: con suerte comprobará que no es el mesías dorado que cree ser, y quizás (solo quizás) deje las cámaras y se dedique a actividades más dignas y productivas, como la pesca del percebe.

Nota: 4/10

Crash

Paul Haggis se estrenó como director en esta película sobre la vida diaria y el racismo. Sin embargo no es un novato, ya que como guionista participó en notables éxitos, entre otros a las órdenes del sensacional Clint Eastwood. Y la verdad es que no decepciona.

Comenzamos la historia en una cuneta de Los Ángeles donde dos policías investigan un asesinato. Sin embargo y al más puro estilo río, Crash no tiene un protagonista, sino que narra la historia de muchas personas, de diferente estrato social y razas variadas. El foco de atención tan pronto se centra en el fiscal general de Los Ángeles como en unos ladrones de coches negros o un tendero persa. A medida que la trama avanza las historias de estos personajes se van entrelazando hasta formar un cuadro general de las vidas de los personajes. El tema central de la película son las tensiones raciales y los choques culturales que nacen en muchas ocasiones de la ignorancia o la frustración. Inicialmente la trama es caótica, pero a medida que la historia se desarrolla y las piezas van encajando como en un puzzle, vemos la forma tan inteligente en que ha sido construida. Por otro lado, aunque la película tiene un planteamiento esencialmente dramático, algunas escenas no tienen la crudeza necesaria.

El plano técnico se sitúa en un segundo plano, y la banda sonora sirve como acompañamiento a las conversaciones que mantienen sus protagonistas. Las interpretaciones son serias y muy uniformes, aportando gran seriedad a una película sin un protagonista claro. Los personajes escapan del arquetipo de héroes o villanos. Con miedos e inseguridades y sin ser intrínsecamente malos, toman decisiones influenciados por la situación, al tiempo que son capaces de arrepentirse.

Conclusión:

Ganadora de tres oscars, los tiene muy merecidos. Uniforme en todos sus aspectos, el guión inteligentemente construido y unos personajes muy creíbles dan como resultado una cuidada atmósfera en la que es fácil sumergirse.

Nota: 7

71 into the fire (포화속으로)

La película que hoy nos ocupa se trata de un proyecto algo peculiar. Dirigida por uno de los directores más internacionales de Corea, John H. Lee. Y con un enfoque narrativo tradicional, partiendo de una estructura líneal y sencilla que huye de las abstracciones y devaneos artísticos que tan habituales son en el cine de este pais. Presenta una de tantas historias sucedidas durante la guerra de Corea, coincidiendo su estreno con el 60 aniversario del inicio de dicho conflicto.

El tema en torno al que gira la película es el deber. Tal vez desde nuestra cultura occidental individualista nos sea dificil comprender un hecho que, para los coreanos al igual que para muchos asiáticos, es un rasgo cultural: Y es que el honor , desde la perspectiva oriental, no se basa tanto en seguir un código de conducta determinado, si no en entregar a los nuestros (amigos, familia, sociedad…etc) lo que se espera de nosotros. Es precisamente ese sentido del honor patriótico, el que explica tanto el desarrollo de la historia, como por qué elegir esta trama y no cualquier otra para basar la película. Y es que la historia central narra las peripecias de un grupo de estudiantes y reservistas surcoreanos, sin experiencia real de combate, que son asignados a defender un enclave estratégico del que podría depender el curso de la guerra. Cuando las huestes del comunismo juché ataquen, deberán compensar su inexperiencia con valor y sacrificio. ¿Será suficiente para cumplir su abrumadora misión?

A nivel técnico es muy dificil sacarle pegas. Los efectos especiales, tan importantes en una película bélica, están al nivel del mejor Hollywood. La fotografía toma algunas decisiones arriesgadas pero que entregan un acabado visual original que no está reñido con el realismo: El uso de un gran contraste entre las luces y la sombras, los colores saturados de la fotografía con un cierto predominio de los tonos cálidos…etc. Los encuadres sin buscar la filigrana están perfectamente seleccionados para contar  cada momento con precisión. Incluso el tratamiento que se le da a los escenarios: a destacar lás magníficas tomas de llanura que saben captar la poesia del paisaje e integrarla en la acción. La música es la esperable en este tipo de películas, acompaña bien, pero sin grandes momentos.

En cuanto hablamos de argumento la cosa se complica. Es una película muy tradicional, y como tal resulta más o menos predecible. Esto no es algo malo necesariamente, es más, a una película bélica generalmente le sienta bien. Sin embargo si lo juntas con un rodaje que se debate entre las prisas y las pausas el resultado negativo se potencia. Me explico: El montaje es inteligible y está bien planteado, pero hace que decaiga el interés en momentos entre batallas, y crea la sensación de que cuando los personajes hablan la acción de detiene. Este último elemento, muy común en los animes, le resta bastante realismo. El guión está bien, aunque le falta algo de chispa para destacar por si solo. Quizás a los personajes les falte algo de profundidad que los aleje de los arquetipos de siempre. Y luego algunos pequeños detalles poco verosímiles que no comentaré porque bien pudieran deberse no a error, si no a barreras culturales. Las actuaciones son más que notables, los protagonistas transmiten todo lo que deben y más. Si bien es cierto que a algún secundario se le ve poco inspirado en su papel.

Conclusión:

Estamos ante una de las mejores películas bélicas del cine Coreano. Desde nuestra perspectiva resulta además interesante, porque el tema de la guerra de Corea ha sido obviado por el cine occidental, y pese a su poca popularidad es una conflicto fascinante que da para mucho. Así como a veces advierto sobre el cine oriental, que no se trata tanto de entenderlo como de dejarse llevar para extraer tus propias experiencias. En esta ocasión no es así: Se trata de una película muy funcional, con una estructura tradicional de introducción, nudo y desenlace. Apta para espectadores recelosos del cine asiático, pero que gusten de una buena película bélica

Nota:  7/10

Training Day

A primera vista, nos puede resultar difícil distinguir Training Day de Los Amos de Brooklyn, dado que ambos comparten temática, director y protagonista. Pero hay una diferencia sustancial, y esa diferencia se llama Denzel Washington.

Como su nombre indica, Training Day relata el primer día de Jake (Ethan Hawke) como policía de Los Ángeles con su compañero el sargento Alonzo (Denzel Washington), una leyenda en la brigada de narcóticos. Sin embargo, Alonzo no es el policía modelo que suponía Jake y sus métodos son poco ortodoxos cuando no abiertamente ilegales. Jake es un novato en el mundo criminal donde los delincuentes siguen sus propias reglas, por lo que debe fiarse del sargento Alonzo. A medida que se adentra en el mundo de la delincuencia y corrupción, tendrá que decidir hasta donde esta dispuesto a llegar en su afán por hacer cumplir la ley.

El argumento de Training Day es bastante sencillo, con apenas un giro argumental que sorprenderá al espectador. Esta planteada desde un punto de vista muy realista, que huye de la idealización y donde los policías deben ser pragmáticos si quieren sobrevivir. Este realismo se aprecia en la ambientación, muchas veces rodadas en los peligrosos suburbios de la ciudad. La trama transcurre en su mayor parte en los barrios bajos de Los Ángeles donde el delito es la norma y un error puede ser fatal. La constante acción, y la incertidumbre constante le dan un ritmo muy rápido a la película que avanza a grandes zancadas.

Como ya he mencionado arriba, el factor diferencial de esta película es la magistral interpretación de Denzel Washington de un turbio policía. Respecto al supuesto protagonista, completamente eclipsado, nunca ha sido santo de mi devoción, pero no hay nada que reprocharle, haciendo una interpretación muy apropiada.

Conclusión:

Training Day es un drama policíaco muy rápido aunque bastante predecible. Probablemente sea la mejor obra del mediocre Antoine Fuqua, que aún así cae en bastantes estereotipos del thriller policíaco y se echa de menos que el guión no esté a la altura de las interpretaciones, pero tampoco decepcionara.

Nota 7