El Castillo en el Cielo

Regresamos al cine de animación para analizar una de las películas más representativas del anime de los 80. El Castillo en el Cielo pertenece a la etapa más temprana del estudio Ghibli, pero al igual que en Nausicaa, aqui también se hacen evidentes las señas de identidad que el estudio ha mantenido hasta el día de hoy.

Sheeta: una chica heredera de un pasado misterioso que sufre el acoso de varias organizaciones. Pazu: Un humilde aldeano cuyo padre fue un reputado piloto. Y por último un grupo de piratas un tanto chapuceros. Ante todos ellos se abre una leyenda… Laputa (así se llama), un castillo flotante cuya existencia no ha sido probada, pero al que se le atribuyen toda clase de riquezas y maravillas… ¿Existe realmente Laputa?¿Estará la realidad a la altura del mito?

A nivel técnico solo podemos constatar el extraordinario trabajo de los animadores.  Teniendo en cuenta el año de producción y la ausencia total de técnicas digitales el resultado sigue siendo muy vistoso a día de hoy. Lo que pierde en detalle respecto a las producciones actuales lo gana en calidad de animación y expresividad de los personajes. No son achables los diseños retro ni la autorrecurrencia temática, porque como os podéis imaginar en 1986 esto era lo último de lo último. La banda sonora también destaca con luz propia con temas de gran calidad.

Argumentalmente, muchos de los temas de Ghibli hacen acto de presencia: El ser humano como enemigo de la naturaleza, la alegoría del vuelo como símbolo de la libertad…etc. Esos trasfondos sustentan una trama sencilla, lo suficientemente simple para ser facilmente comprensible por un niño, y lo suficientemente compleja para no aburrir a un adulto. Esto junto con un guión correcto, unos personajes carismáticos (aunque tópicos), y un final a la altura de la película.

Conclusión:

Si hay algo que hay que reconocerle a Hayao Miyazaki, es que tiene las ideas muy claras. Lo que podría haber sido un simple devaneo artístico de un joven e inexperto Estudio Ghibli resulta por ser una sólida y hermosa película de animación, perfectamente planificada. Cierto es que vista en el año 2013 no impacta tanto como cuando salió en su momento. Cierto es también que, mal que nos pese, la historia no es más que una mera excusa para hacernos embarcar en este extraordinario viaje. Pero el valor intrínseco de esta producción no es tanto su historia fabulesca, como su fabuloso capital artístico que aun tras tantos años justifica el visionado por si solo.

Nota:  7/10

Los Croods

Si por algo me gusta el cine de animación es por la fantasía desbordante de los guionistas y una trama muy ágil que te garantizan una rápida inmersión en la película. Además incluyen guiños para los más mayores y que además de entretenerte te permiten disfrutar de la película. Desgraciadamente este no es el caso, en el que todo es de una simpleza exasperante.

Grug es el patriarca de una familia de trogloditas que viven en la cueva. Durante generaciones se han regido por unas reglas esenciales: todo da miedo y lo único seguro es la caverna. Siguiendo al pie de la letra esta sencilla regla han conseguido sobrevivir a todos sus vecinos; Sin embargo, cuando el mundo comienza a cambiar, esta regla deja de servir, y el clan tendrá que evolucionar para adaptarse al cambio, o desaparecer. No estarán solos en esta difícil empresa, pues un joven solitario de nombre chico, obsesionado con llegar al Sol antes de que el mundo llegue a su fin, les guiará gracias a su brillante e imaginativo coco.

Las películas infantiles no distan mucho de una receta de cocina muy rentable. Un argumento simple, un protagonista con alguna cualidad inusual, un secundario chistoso, y un quiebre emocional hacia la mitad de la película. En principio, Los Croods cumplen con todos los requisitos para una película de esta índole, el problema es que no destaca en ninguno de estos aspectos. Nos queda pues una película mas bien sosa y con una trama simplona, que a ratos incluso te da ganas de quitarla. El gran error de esta película es una protagonista repelente y poco creíble.

El apartado visual de la película es como todos los del género. Unos contrastes visuales muy marcados con multitud de detalles en los que fijar la atención. El 3D se aprecia de manera muy marginal sobre el formato tradicional. Aquí es otro factor donde se puede constatar el espíritu comercial de la película. En lugar de esmerarse por hacer una atmosfera consolidada con la trama principal de la película, los guionistas prefieren poner cosas raras porque sí a ver si así pueden esconder las deficiencias de la película.

Conclusión:

Acostumbrados cada vez más a que las películas infantiles sean aptas para todos los públicos e incluyan guiños que difícilmente van a entender los espectadores más jóvenes, decepciona ver como esta película da un paso atrás. Aún sin defectos aberrantes, sólo es recomendable para los espectadores más bajitos.

Nota: 4

Berserk. La Edad de Oro (III)

Terrible sensación de repetir ideas: Y es que habiendo analizado sendas precuelas en este blog, pensaba que no hay mucho más que pudiéramos decir del universo Berserk. Tras ver la película de hoy solo puedo decir una cosa: Que equivocado estaba…

Pues esta es la tercera y última de las películas que componen el arco de La Edad de Oro, «saga del pasado» del manga original de Berserk .  Y el final de dicha trilogía, lejos del continuismo, supone una apoteosis. Nos hallamos ante una película que se apoya en la ambientación por todos ya conocida,  pero que rompe cualquier formalidad o atadura, para alcanzar un nuevo nivel.  En este entrega, la magia y la leyenda ganan peso en detrimento del «realismo» (entiendase realismo dentro de la ficción y la exageración) que regía las anteriores. Estamos ante una película mucho más épica, más dramática. Cuya intensidad también se manifiesta en un marcado aumento de contenido violento y sexual. Y que la hacen poco recomendable para espectadores impresionables.

En el plano técnico, heredera directa de la misma calidad que ya caracterizaba a las anteriores, mantiene y puede que hasta mejore visualmente lo visto hasta ahora. No faltan las coreografías espectaculares ni las cámaras dinámicas, tampoco una detallada iluminación que proyecta una ambientación preciosista a la par que inmersiva. Si que ha mejorado a nivel artístico, probablemente por la falta de limitaciones que viene dada por el argumento: los escenarios, los enemigos están diseñados con gran imaginación y resultan mucho más originales que los previamente vistos.

Sin destripar la trama: Si que es cierto que parece haber obrado un cambio de paradigma. Con esta tercera parte, el mundo se vuelve mucho más hostil y tenebroso, la oscuridad parece absorber a los personajes por momentos, presentando imágenes realmente inquietantes. Habrá a quien le guste, habrá a quien no, a mi personalmente me parece original y bien realizado. Si que es criticable, no obstante, el final. O más que el final: la ausencia de final. Pues el desenlace de la película no es si no un descarado «Continuará…» que hara que os arrojeis a comprar el manga como energúmenos. Vale que sea el final de la saga, vale que siga la historia del manga. Pero acabar una trilogia de películas con semejante cliffhanger me parece una decisión discutible.

Conclusión:

La última película de la trilogía es también la más intensa:  Factura técnica de notable alto, junto con un cierto viraje artístico  y argumental son las señas de identidad de una película que sorprenderá a todo aquel no haya leido previamente el manga. Ójala que esta no sea la última película que se realiza del universo Berserk, sería un desperdicio.

Nota:  8/10

Ghost in the Shell 2: Innocence.

Hoy le echamos el guante a Innocence,  secuela indirecta de la Ghost in the Shell original que ya analizamos en este mismo blog. Producida en el 2004: diez años después de la película original y un año después que la no menos laureada serie de anime. La franquicia nos demuestra que no está dispuesta a estancarse con otra magnífica pieza de cine de animación.

En esta ocasión la protagonista habitual de la saga, la Mayor Kusanagi, se encuentra en paradero desconocido. Será otro de los miembros de la Sección 9, Batou, quien toma el papel principal durante una investigación conducida por dicha unidad. Su objetivo: desentrañar las causas de unos misteriosos asesinatos perpetrados por robots de compañía. Como ya es tradición en el mundo de Ghost in the Shell, tras una argumento sencillo se ocultan profundas reflexiones e implicaciones filosóficas que van plegándose alrededor del mismo como las capas de una cebolla

Empezemos por el que considero objetivamente como único apartado negativo: No es tan original como la primera película. La razón es de sentido común, pues muchos de los temas que trata ya habián sido abordados previamente en su precuela, o en la serie. A nivel de argumento se percibe como menos perfecta, quizás por ser más predecible.

Técnicamente nos hallamos ante un tipo de animación perfectamente actual, tanto en personajes como en fondos. Pese a tener 9 años a sus espaldas la calidad y el detalle que destila el apartado le permiten destacar aún a día de hoy, y a pesar de toda la competencia que ha surgido en el sector de la pirotécnia.  A nivel artístico, la película da un paso más lejos respecto a la original: No se conforma con la ciencia ficción convencional, y la ambientación se acerca más a lo etnográfico y lo abstracto. Esos elementos le otorgan una singular atmósfera, capaz de reinventar visualmente la saga permaneciendo fiel a ella. La música de Kenji Kawai vuelve a sus orígenes con temas que recuerdan a su obra previa.

Si analizamos el guión, nos encontramos con que es nulamente funcional. En la práctica, se haya monopolizado por reflexiones filosóficas y metáforas. Las cuales son la mayor parte de las veces acertadas, pero no evitan transmitir cierta sensación de búsqueda de trascendencia, que sería criticable de no ser porque sabe encontrarla. Como curiosidad: diría que una de las mayores influencias de las que se nutre el guión es la obra de Isaac Asimov, que muestra algunas similitudes en varios de los enfoques que presenta la película.

Conclusión:

Podríamos copiar la conclusión del análisis de la primera GitS, y no dejaría de ser cierto. Si bien esta película pierde parte del factor de impacto al repetir concepto argumental, esto se compensa con un planteamiento estético más transgresor, que supone la base de un apartado visual al que es dificil poner pega alguna. Presentado todo ello a un ritmo calmado y bien establecido, con sumo cuidado por el detalle, resultan en un producto que es por méritos propios, un referente del del cine de animación. Imprescindible.

Nota:  8/10

Tokyo Godfathers

(Este crítica estaba planificada para el 24 de agosto pero tuvo que ser pospuesta por algunos imprevistos)

Hoy analizamos una de las obras más conocidas de Satoshi Kon. Tokyo Godfathers es sin duda una propuesta audaz, tanto por la cantidad de tabues que trata, como la naturalidad y la originalidad con que lo hace. Narra la historia de 3 vagabundos (Un alcohólico, un travesti, y una adolescente fugada de casa)  quienes encuentran un bebé en la calle en plena navidad. Decididos a encontrar a sus padres para devolvérselo, deberán superar todo tipo de trabas a lo largo de su jornada. Un momento… ¿Seguro que no es Almodóvar quien dirige esta película? Tranquilidad, porque en la sinopsis termina cualquier tipo de parecido.

Visualmente, tenemos un tipo de animación que huye de toda pirotécnica innecesaria, pero que si está caracterizada por un diseño de personajes muy expresivo, así como unos fondos trabajados y ricos en detalles. La banda sonora pasa desapercibida la mayor parte del tiempo, lo cual suponemos que es intencionado para el tipo de ambientación. El montaje es más que adecuado, intercalando las breves escenas en que se divide la película de forma dinámica y capaz de mantener la atención debida casi en todo momento.

Argumentalmente hay que aclarar primero que, la trama descrita en la sinopsis es una mera excusa, y no es ni mucho menos el epicentro de la película. El interés argumental se halla en realidad en las docenas de pequeñas historias que presencian los protagonistas en su viaje a través de la navidad tokyota. Historias que van entretejiéndose y cruzándose entre si hasta conformar un tapiz sencillo en ingredientes y complejo en estructura.  También hay que aclarar que aunque la película sea un drama, evita los excesos directos, y muchas situaciones son abordadas desde un ácido sentido del humor: la mordacidad de sus personajes desmitifca muchas de las situaciones que presenta, aportando nuevas perspectivas. Sin duda uno de los mayores actractivos que presenta la película es la originalidad de su planteamiento y ejecución, valentía que hay que reconocerle al director: No es facil hacerlo, y menos aún hacerlo bien.

No es oro todo lo que reluce. Como contrapunto a sus bondades podemos señalar que en ocasiones los personajes no actuan de forma realista, o que tenga sus momentos cursis, o que sus componentes resultan demasiado simples si los analizamos por separado. O que en ningun momento llega a sorprender tanto como cabría esperar. Si, todo ello es achacable, y es lo que la privan de una mayor nota.

Debo confesar que este no es en absoluto mi tipo de historia, y a pesar de ello no me arrepiento de haberla visto. Quizás si me decepcionó un poco al carecer de la profundidad de otras obras del director que tienen un planteamiento más maduro que la aqui descrita. También es mucho más concreta, carece de las excursiones oníricas , simbolismos y abstracciones psicológicas que caracterizan el estilo del director, y que aquí apenas se dejan ver en un par de sutiles pinceladas.

Conclusión:

Gusten o no sus películas, lo que nadie puede negar es que Satoshi Kon poseía una sensibilidad especial, que le otorgaba una visión de la realidad genuina e irrepetible. En un cruel revés del destino, su prematura muerte hace ya tres años nos privó de esa perspectiva para siempre. Aún así, sus obras vivirán eternamente en la conciencia colectiva, y serán el mejor testamento vital de un creativo cuyo paso por la industria fue breve, pero más que suficiente para crear un estilo propio capaz de integrar calidad, originalidad y audacia. No muchos pueden decir lo mismo. Domo arigatou gozaimashita, sensei.

Nota: 7/10

¡Piratas!

Aardman Animations, estudio que en el pasado nos regaló obras tan célebres como Chicken Run, se ha adaptado a los tiempos modernos en esta nueva película sin renunciar a su plastilinosa esencia.

Capitán Pirata tiene todo lo que un pirata puede desear. Una tripulación unida como una familia, una frondosa barba y un peculiar loro, Poly, al que todo el barco adora. Cuando el rey de los piratas convoca el premio a Pirata del Año, corre a inscribirse para granjearse la admiración de sus colegas piratas que le ningunean. Desesperado por ganar, se echa a la mar en busca de presas, pero en lugar del botín esperado se encuentra con un estrafalario científico, Charles Darwin. Inician así una aventura que les llevará a las calles de Londres, donde tendrán que enfrentarse a la temida reina Victoria, azote de piratas, y con un insano interés por Poly.

Dadas las limitaciones que presenta la Claymation o animación por plastilina, la acción es muy limitada. La comedia toma un papel protagonista, patente en los diálogos y las situaciones surrealistas. En muchos casos el humor queda un poco deslucido, al menos para el espectador adulto. Por otro lado, la concepción de la aventura de estos simpáticos piratas es bastante buena, sobre todo introduciendo personajes históricos como Darwin o la reina Victoria, pero acaba teniendo una estructura demasiado convencional para mi gusto. Otro fallo a destacar, es que le dan demasiado protagonismo al Capitán Pirata en detrimento del resto de secundarios, que acaban siendo demasiado planos.

¡Piratas! esta rodada en plastilina, aunque adaptada a los nuevos tiempos de la animación digital. Las ventajas de esta fusión son evidentes, ya que dan mucha más libertad de movimiento a las escenas. sin perder el toque artesanal propio de este género. La escenografía cuidada al detalle es uno de los puntos fuertes de esta película.

Por último habría que hablar de las voces, en este caso de los dobladores. Hay poco que decir al respecto, salvo que contando con excelentes dobladores, no se porque se empeñan en traer voces ajenas a esta profesión, con lo que el resultado deja bastante que desear.

Conclusión:

De vez en cuando es interesante perderse en estas curiosas películas de plastilina. En este caso la aventura es un poco light, pero merece la pena a cambio de admirar las detallista ambientación. Además la comedia ayuda a hacerla más ligera, siendo una pelicula entretenida aunque algo vacía de contenido.

Nota: 6

La Novia Cadáver

Quien se halla tras la película de hoy es Tim Burton, ese individuo excéntrico y autorecurrente que tantas pasiones y odios despierta. La película en cuestión es considerada de forma casi unánime como lo mejor de su filmografía: partiendo de un concepto sencillo y desarrollándolo con gran atención por los detalles, entrega un producto bien terminado.

Victor y Victoria son una pareja de novios que ni siquiera se conocen, víctimas de un matrimonio acordado en una época victoriana tenebrosa y fabulada. Pese a ello las cosas no pintan mal para ellos hasta que de forma inesperada, Victor contrae también un compromiso de ultratumba del cual intentará escapar, pero no le será fácil…

A nivel técnico tenemos una fotografía impecablemente rematada, mezcla de técnicas «stop-motion» con añadidos y correcciones propias de efectos digitales. La sensación que entrega al espectador es la de presenciar un microcosmos macabro y chusco a la vez, en el que una suerte de títeres con vida propia se desenvuelven en su entorno de formas sorprendentes. Las animaciones faciales están especialmente trabajadas, y los efectos especiales rayan a un gran nivel. La cámara es quizás algo estática y predecible, pero no desentona dentro del conjunto.

Entrando a valorar aspectos menos objetivos. Las interpretaciones (de voces) son notables y contribuyen a colorear aún más la historia que se encargan de narrar. También por medio de un guión característicamente rimbombante, con vocabulario de época que se hace evidente en todo momento. También a destacar el omnipresente sentido del humor, en ocasiones macabro, que encaja a la perfección en el conjunto. El montaje es muy sencillo, al igual que la historia. Resulta dinámico y hace que la película (que ya de por si es bastante breve) vuele ante tus ojos.

Conclusión:

La pega principal que se le puede poner a la película es tacharla de poco ambiciosa. Y es verdad: La historia es demasiado simple, incluso teniendo en cuenta la brevedad de la cinta. Nos dará la sensación de que tras tanto gag, tanto enredo y tanta canción frenética, el chásis que lo sostiene todo es insuficiente. Esa incómoda sensación que queda cuando ves algo que te gusta, pero sabes que un pequeño empujón en la dirección correcta lo haría mejorar enteros.

Nota: 7/10

Rompe Ralph

Aunque Ralph no es alguien malvado, es el malo de un juego de recreativo, Fix Félix. Y realmente se le da bien ser el malo. Pero tras treinta años, la soledad y falta de reconocimiento pesan sobre Ralph, y decide que por una vez le gustaría ser el héroe y ganar una medalla. Empieza así una aventura en pos de una vida mejor saltando de juego en juego hasta recalar en un caramelizado juego de carreras, donde no todo es tan dulce y simpático como parece. Allí conoce a su primera amiga de verdad. Sin embargo no todo es alegría. Un juego sin un malo al que derrotar no es precisamente divertido y cuando su juego de origen amenaza con venirse abajo, Félix tendrá que abandonar su burbuja en pos de Ralph antes de que desconecten su mundo de origen.

Al más puro estilo Toy Story, cuando los recreativos cierran, los videojuegos cobran vida. Con esta película Disney rompe una vez más los roles de héroes y princesas. Aunque en esta obra lo realmente original es el breve recorrido por la historia de los videojuegos. Por lo demás, la película sigue todos los esquemas históricos de Disney, aunque con mucha más acción de lo que viene siendo habitual. Por otro lado también hay que reconocerle que aunque no escapa de los sentimentalismos, no llega a hacerse pegajoso.

El apartado técnico está a la altura de las circunstancias. A medida que saltamos de juego en juego, la temática cambia radicalmente con detalles muy cuidados, pasando de un mundo en guerra constante a otro de gominolas y caramelos. Quizá el único defecto achacable es que si bien los juegos son de generaciones muy distintas, tan apenas se aprecia diferencias entre los personajes que provienen de uno y otro juego. Tampoco estoy diciendo que los de los juegos antiguos sean cuadrados, más que nada porque el protagonista aparece continuamente, pero algún elemento diferenciador no estaría de mas.

Conclusión:

Aunque el público inherente a esta película es el infantil, hay muchos guiños que los más pequeños no sabrán apreciar. Rompe Ralph es una aventura desbocada que pese a la simpleza de su argumento resulta muy atractiva. Si eres de los que odian las películas saturadas de canciones están de suerte, porque en esta película la banda sonora es algo marginal. Si te gusta el cine infantil, imprescindible verla, en otro caso,  sera cuanto menos entretenida.

Nota: 7

La Princesa Mononoke

Dicen que Ghibli es la versión japonesa de Disney, y que Hayao Miyazaki vendría a ser una especie de Walt Disney de ojos rasgados. La comparación siempre me ha parecido muy oportuna, pues ambas me parecen compañías sobrevaloradas. Vale que hagan buenas películas de animación, vale que siempre muestren un nivel técnico de notable como mínimo, pero no creo que sean la quinta esencia a la hora de contar historias, y donde muchos ven magia y maestria, yo veo solo competencia técnica, pero sin demasiados alardes.

La película en la que hoy nos centramos es considerada como la mejor del estudio japonés. Estrenada en 1997 y siendo la primera que tuvo un impacto de entidad en occidente, muchos años antes de que comenzara la ghiblimanía. En ella Ashitaka, un príncipe que contrajo una maldición, deberá hallar la cura que solo posee el espíritu del bosque. A lo largo de su viaje se encontrará con un conflicto abierto que tiene a la región sumida en el caos, conflicto en el que nuestro protagonista se implicará, y en el cual conocerá a la princesa que da nombre a la película.

A nivel argumental se nota el sello Ghibli desde el primer minuto. El tema central es un naturalismo algo recurrente en su propia filmografía, la relación entre el ser humano y su entorno, mostrando a la naturaleza como un ente vivo e indómito, y a los seres humanos como una raza parásita y de miras estrechas que amenaza con destruirlo todo. La moraleja que trasmite la película evidencia lo asbsurdo del odio, que se contagia como un miasma entre todos los seres, y que solo sirve para destruir al que odia y perpetuar una cadena de venganza sin fin. La trama trascurre de forma algo serpenteante, es muy propio de Ghibi hacer amagos de que la historia se desviará por otros derroteros, pero en este caso y por suerte, la trama es bastante lineal y se contiene en ese aspecto.

A nivel técnico tenemos un película cuya animación es en su mayor parte tradicional. Se nota la huella del digital en momentos muy concretos, pero en su mayor parte es analógica, lo cual no es ni mucho menos malo pues muestra un detalle y una calidad realmente reseñables: Los tentáculos enmarañados de un demonio, o las sombras fragmentadas que arrojan las copas de los árboles sobre el protagonista, valgan como ejemplos. El diseño de los personajes sin embargo, deja bastante que desear: son excesivamente simples, tienen incluso un toque retro por el tipo de dibujo que parece trasportarnos a los 80. Cierto es que forma parte del estilo del estudio, pero intentar vender una buena historia con personajes tan genéricos me parece un error grave.  La OST tiene un tema principal excelente, y el resto de pistas aunque correctas no llegan a destacar lo suficiente.

Conclusión:

Tanto si eres un «ghibliófilo» como si les tienes algo de manía, estamos ante una buena película. Quizás algo larga de metraje, pero no creo que decepcione a nadie que sepa de que va la cosa. A pesar de que utiliza ingredientes muy sencillos, y que a nivel artístico tiene aspectos muy genéricos, el resultado es un producto bien acabado y equilibrado que satisface las expectativas.

Nota:  7/10

Berserk: La Edad de Oro (II)

No hace mucho que analizamos la primera parte en este mismo blog y lo cierto es que no sé si es buena idea analizar esta tan pronto. En primer lugar para no comprometer demasiado la variedad que es obligada. Por otra parte, me veo en el brete de tener que hacer un análisis muy breve que se centre en las pocas diferencias que distinguen a esta segunda parte: Para bien y para mal, todo lo dicho en el anterior análisis es aplicable la secuela.

La historia continua y volvemos a ser testigos del camino (sembrado de cadáveres) que traza Guts en su paso por la tierra. Sigue siendo el brazo más fuerte de la Banda del Halcón con la que ya unió fuerzas en la película anterior. Alternando entre el fragor de la batalla y los momentos de cuartel, Guts se pregunta cual es su objetivo, cual es el sentido de lo que hace. Son esas reflexiones (que no son compartidas por el espectador, pero se suponen en contexto) las que le harán tomar una decisión sobre su vida.

A nivel argumental hereda cierto sentido introspectivo, e incluso lo potencia un poco a través de un montaje que nos hace cómplices de sus vivencias, de su alegría y de su dolor. Pero ello no le hace renunciar al punto de vista de otros personajes , tan necesario en historia con pretensiones épicas. La animación sigue rayando a un gran nivel, sin menoscabo de la secuela. El punto fuerte vuelven a ser los combates y su planificación: Salvo las insípidas secuencias de secundarios en 3DCGI, el esmero puesto en las coreografías, la puesta en escena y en la propia manera de animarlas es todo un espectáculo para la vista.

Como apartado negativo quizás podríamos señalar un ritmo algo destartalado, algo lento y no muy equilibrado, que exige que el espectador abandone las prisas por ir de combate en combate y se deje llevar por la historia en su conjunto.

Conclusión:

En todos los aspectos objetivos parece un clon de su precuela. No comete nuevos errores, ni tampoco nuevos aciertos. Fabricada con los mismos ingredientes, probablemente os guste lo mismo que la anterior. Ni más ni menos.

Nota:  7/10