Blade Runner

Vista con perspectiva, muchos consideran a esta película como la obra que consagró a Ridley Scott aún por encima de Alien. Lo cierto es que en 1982, en plena efervescencia del frívolo cine de acción ochentero, nadie daba un duro por una propuesta tan arriesgada como esta. Y esto es literal: Ninguna productora estaba dispuesta a sufragar los faraónicos gastos de unos decorados y props que parecían diseñados al servicio de la extravagancia. Pero la financiación logró llegar a tiempo. ¿Cómo habria cambiado la historia del cine de ciencia ficción de no haber sido así?

El apartado visual es simplemente soberbio. No solo en cuanto a recursos de rodaje: Los escenarios destacan especialmente, creando una atmósfera densa y creible que va absorbiendo inexorablemente al espectador. Pero el mejor aval de la calidad del apartado es sin duda la iluminación: Blade Runner emplea las luces como recurso expresivo: siluetas oscuras recortadas contra neones, claroscuros que esculpen las expresiones en los rostros, humo para aportar turbidez…etc. El uso de estos contrastes de luces y sombras duras son característicos del cine en blanco y negro pero aquí son aplicados con maestria, enriquecidos con los matices que aporta el color. Ponen el colofón los efectos digitales revisados y la extraordinaria remasterización de la versión Blu-Ray, que hace que parezca haber sido rodada directamente en digital.

Argumentalmente supuso un puñetazo encima de la mesa de la ciencia ficción. El futuro deja de ser una fantasia optimista y brillante, y se convierte en una oscura y plomiza distopía. Una carta abierta a la metafísica e introspección. Aunque hoy en día la historia pueda parecer algo escasa, hay que comprenderla en su momento y valorarla por su influencia en obras posteriores. Si se hallan presentes algunos simbolismos que  sirven para aportar capas de significado. El guión mantiene un nivel notable, con abundantes citas que ya han pasado (merecidamente) a la memoria colectiva del medio. Las actuaciones no se quedan atrás, aunque llama la atención el sempiterno Harrison Ford, que parece ligeramente aburrido durante toda la película.

Conclusión:

Antigua película de culto y reciente éxito comercial, visionado imprescindible para todos salvo para impacientes patológicos. No soy partidario de valorar una obra por su impacto, prefiero centrarme en su valor intrínseco… y sin embargo en este caso debo hacer una excepción y corregir al alza. Puede que Blade Runner no sea la mejor película de ciencia ficción, pero su apartado técnico, su audaz argumento, y su inolvidable ambientación y personajes son razones más que suficientes para hacerla digna de figurar entre los referentes intemporales del género.

Nota: 8/10

Valor de Ley

Después de que un peligroso forajido matara a su padre, Mattie, una niña de 14 años, contrata a un curtido cazarrecompensas, el alguacil Rooster Cogburn, para capturarlo y juzgarlo. Aúnan esfuerzos con un ranger de Texas que también persigue al delincuente por matar a un senador. Juntos se adentran en la Nación India en una intensa búsqueda de Tom Chaney.

Los hermanos Coen dan un lavado de cara al western americano y lo adaptan al cine actual. Y lo hacen con éxito. La trama de la película, mantiene el equilibrio entre la intensidad de la captura como entre las relaciones personales de los protagonistas aportan la necesaria profundidad para considerarla algo más que simple entretenimiento. Las escenas de acción son variadas y le dan un ritmo que evita que se haga muy pesada.

La ambientación está magníficamente recreada y con una visible inspiración en el western más tradicional. Hay que destacar una fotografía muy trabajada así como la banda sonora. Los hermanos Coen optan por rodaje más austera y crudo, mucho más efectivo que la sobreexposición y los desbordantes excesos de imaginación a que nos tiene acostumbrados Hollywood.

El reparto es otro de los pilares de la obra. Hailee Steinfeld se lleva merecidamente todo el reconocimiento, ya que carga con gran parte del peso interpretativo de la película. Cuenta además con la colaboración del versátil Matt Damon, que sin ser su mejor papel demuestra su solidez como actor. Normalmente me gusta destacar, si la actuación lo merece, la actuación de un personaje secundario pero que lo haga particularmente bien. En este caso, me refiero a Barry Pepper que da vida al líder de una banda de forajidos. Su excelente interpretación hace que me den ganas de que resuciten este género, que reconozco por lo general me parece muy cansino.

Conclusión:

No soy muy fan de los hermanos Coen. Reconozco que tienen alguna pelicula buena, pero por lo general me parecen muy sobrevalorados. No es el caso de Valor de Ley, en el que dan fe de una maestría que hasta ahora ignoraba. Sin duda es una a película a tener en cuenta tanto por su puesta en escena como por su enfoque.

Nota: 8

El Caballero Oscuro

No es ningún secreto que no soy ningún fan de las películas de superhéroes que Hollywood nos encasqueta asiduamente, todas cortadas por el mismo esquema: una trama lamentable y personajes planos y estereotipados. Hasta que llegó Nolan y le dio la vuelta al género.

En esta segunda entrega, el crimen organizado y la delincuencia que antaño imperaban en Gotham están siendo acorralados por un puñado de héroes que siguiendo el ejemplo de Batman no temen hacer frente a los mafiosos. Todo cambia cuando entra en escena un estrambótico delincuente cuya firma es una carta del joker. Este pintarrajeado villano rompe el equilibrio de poder, y con sus demoledores e imprevisibles golpes pone en jaque a la ciudad de Gotham y desborda a las fuerzas del bien.

Chris Nolan redimensiona la adaptación del cómic y le da una profundidad a su obra sin precedentes en el género. El argumento, que sitúa la película a medio camino entre el cine de acción y el drama, está construido con esmero y prestando atención a los detalles. El tema de fondo de la película es la moralidad y nos la presentan desde las perspectivas de los distintos protagonistas y sus particulares visiones. Quizá su mayor virtud sea también su mayor defecto, pues aunque es cierto que la película es muy vibrante e intensa, también lo es que intenta abarcar demasiado y no consigue la profundidad pretendida.

Si hablamos del reparto, sin duda Heath Ledger es el alma de la película. Su interpretación del Joker es magistral, dando vida a un personaje magnético que acapara toda la atención cada segundo que aparece en escena. También cabe destacar la actuación de Aaron Eckhart con cuya actuación es el contrapunto del joker. El resto del reparto repite en esta segunda entrega, y mantienen el nivel de la primera parte.

El apartado técnico evoluciona respecto a la primera entrega, dejando de lado escenas demasiado espectaculares pero sin contexto. La acción está más condensada, pero resulta más efectiva e intensa.

Conclusión:

El Caballero Oscuro mejora cualitativamente a su predecesora y saca un mundo de distancia al resto del género. Una película inteligente y rápida. Únicamente se lamenta que parte de la energía se pierde en tramas secundarias que no llegan a desarrollarse y roban minutos de metraje de la trama principal.

Nota: 8

Slumdog Millionaire

Aclamada unánimemente por la crítica, uno se pregunta qué tiene esta película que fue la sensación del momento. Aunque no destaca especialmente en ninguno de sus apartados, el gran atractivo de Slumdog millionaire es la forma tan curiosa y original en que se nos presenta una historia, por lo demás bastante convencional.

Jamal Malik es el concursante de la versión india del concurso ¿Quién quiere ser millonario? A pesar de haber crecido en la calle y casi sin educación, se muestra imparable en el concurso acertando una tras otras todas las preguntas que se le plantean. Detrás de cada respuesta hay una historia que nos adentra en la infancia y juventud de Jamal y su hermano Salim, y las dificultades que tienen que afrontar para sobrevivir entre la pobreza y miseria de la India. Como plano de fondo de esta historia, permanece latente una historia de amor entre el protagonista y Latika, una huérfana de su edad.

El director construye la trama de una forma muy curiosa aunque consigue un resultado muy logrado. Utilizando el concurso como nexo de unión de la trama, el argumento se construye a partir de historias individuales del protagonista que de una forma amena consigue mostrarnos distintas realidades de la India, como la miseria o los conflictos religiosos, pero también las coloridas tradiciones y costumbres. Además, gracias a que las historias se presentan en orden cronológico ayuda a crear una visión de conjunto omitiendo las partes más intrascendentales.

Imitando el estilo de Bollywood, pero ahorrándonos sus interminables coreografías, la temática abusa del colorido de la India de un optimismo a veces demasiado artificial. Aun así logra una fusión complicada entre el cine occidental y el indio.

Las actuaciones en general son muy sólidas, sobre todo la del carismático protagonista (en su versión adulta). Quizá la única excepción sea la del presentador de televisión, cuyo comportamiento es incomprensible.

Conclusión:

Danny Boyle demuestra un gran talento con esta obra. Si le añadimos al exotismo de la cara oculta de la India, nos tragamos encantados una historia que contada de otro modo hubiera sido bastante convencional. El único defecto vistoso que le encuentro, aunque según creo es intencionado, es que aunque la temática central de la película es la miseria y la pobreza, la película destila un tono demasiado alegre y algodonado.

Nota: 8/10

Tropa de Élite.

Un momento… ¿Analizasteis la segunda parte hace unas semanas y ahora se os ocurre analizar la la primera? Así es… pero considerando la calidad de esta película no podía quedar sin su comentario.

El argumento de la película gira en torno al BOPE (Batallón de Operaciones Policiales Especiales, por sus siglas en portugués). Aunque forme parte de ella, esta unidad no tiene nada que ver con la policia convencional: su entrenamiento de élite y su férrea disciplina militar la convierten en una fuerza letal, capaz de imponer el orden a tiro limpio bajo cualquier circunstancia.  La historia nos es narrada desde la perspectiva de uno de sus oficiales: el Capitán Nascimento, un agente tan honesto como implacable. Conocedor de la corrupción omnipresente que ha terminado por pudrir el sistema, sabe que el BOPE es el último faro de integridad en una sociedad que amenaza con desmoronarse. Nascimento es consciente de la amoralidad de sus métodos, pero también sabe que no puede permitirse el lujo de renunciar a ellos, pues equivaldría a darle la partida al narcotráfico.

Solo podemos tratar la fotografía y la ambientación como parte del mismo apartado:  Ambas son extraordinarias y nos transladarán a Rio desde el primer instante. Destaca un tipo de rodaje vanguardista, muy dinámico, edificado sobre unos planos contundentes. La iluminación se nota profundamente estudiada, y asiste a la ambientación ofreciendo una atmósfera vibrante. La selección de localizaciones pone el borche al apartado, priorizando el realismo pero sin descuidar los detalles.

El argumento hace justicia al plano técnico. Tropa de Élite es un thriller de acción con sabor a documental,  conteniendo una amarga y demoledora crítica hacia algunos sectores de la sociedad brasileña. Todo ello presentado en un montaje que sabe profundizar sin resultar denso en ningun momento. Al contrario: la película es trepidante, brutal por directa y no por elaborada, los personajes parten de una caracterización sencilla pero efectiva, y son interpretados con gran credibilidad por un elenco particularmente inspirado.

Conclusión:

Tropa de Élite es el vivo ejemplo de que no todas las películas de acción son pirotecnia palomitera barata. Forma parte de ese selecto grupo que no solo tiene aspiraciones artísticas e intelectuales, si no que además las cumple sobradamente.  Es una película ambiciosa en su propuesta, una muestra definitoria y definitiva de como debería ser el cine de acción contemporáneo. Técnicamente soberbia, narrativamente hipnótica, esta película nos hará cruzar la cuarta pared para participar en una historia tan cruda como apasionante.  Hollywood tiene mucho que aprender de gente como José Padilha.

Nota:  8/10

Berserk. La Edad de Oro (III)

Terrible sensación de repetir ideas: Y es que habiendo analizado sendas precuelas en este blog, pensaba que no hay mucho más que pudiéramos decir del universo Berserk. Tras ver la película de hoy solo puedo decir una cosa: Que equivocado estaba…

Pues esta es la tercera y última de las películas que componen el arco de La Edad de Oro, «saga del pasado» del manga original de Berserk .  Y el final de dicha trilogía, lejos del continuismo, supone una apoteosis. Nos hallamos ante una película que se apoya en la ambientación por todos ya conocida,  pero que rompe cualquier formalidad o atadura, para alcanzar un nuevo nivel.  En este entrega, la magia y la leyenda ganan peso en detrimento del «realismo» (entiendase realismo dentro de la ficción y la exageración) que regía las anteriores. Estamos ante una película mucho más épica, más dramática. Cuya intensidad también se manifiesta en un marcado aumento de contenido violento y sexual. Y que la hacen poco recomendable para espectadores impresionables.

En el plano técnico, heredera directa de la misma calidad que ya caracterizaba a las anteriores, mantiene y puede que hasta mejore visualmente lo visto hasta ahora. No faltan las coreografías espectaculares ni las cámaras dinámicas, tampoco una detallada iluminación que proyecta una ambientación preciosista a la par que inmersiva. Si que ha mejorado a nivel artístico, probablemente por la falta de limitaciones que viene dada por el argumento: los escenarios, los enemigos están diseñados con gran imaginación y resultan mucho más originales que los previamente vistos.

Sin destripar la trama: Si que es cierto que parece haber obrado un cambio de paradigma. Con esta tercera parte, el mundo se vuelve mucho más hostil y tenebroso, la oscuridad parece absorber a los personajes por momentos, presentando imágenes realmente inquietantes. Habrá a quien le guste, habrá a quien no, a mi personalmente me parece original y bien realizado. Si que es criticable, no obstante, el final. O más que el final: la ausencia de final. Pues el desenlace de la película no es si no un descarado «Continuará…» que hara que os arrojeis a comprar el manga como energúmenos. Vale que sea el final de la saga, vale que siga la historia del manga. Pero acabar una trilogia de películas con semejante cliffhanger me parece una decisión discutible.

Conclusión:

La última película de la trilogía es también la más intensa:  Factura técnica de notable alto, junto con un cierto viraje artístico  y argumental son las señas de identidad de una película que sorprenderá a todo aquel no haya leido previamente el manga. Ójala que esta no sea la última película que se realiza del universo Berserk, sería un desperdicio.

Nota:  8/10

El Hundimiento

Espero haberle dado el suficiente tiempo a cierta lectora de este blog para ponerse al día con esta película, y de no ser as, incitarla, a ella y a todos los lectores de este blog que espero les guste el cine, a cumplir con su obligación como cinéfila.

La narración de esta película se sitúa en el Berlín de 1945. La guerra esta perdida y los rusos estrechan cada vez más el cerco sobre la capital que debe padecer además la tiranía del Gobierno. Hitler ha perdido el sentido de la realidad y sus inquietudes pasan de una victoria fantasiosa e imposible a arrastrar al pueblo en su caída. A medida que el Reich se desintegra,  y las lealtades de los generales se tambalean, la historia de Alemania se queda confinada a un lúgubre bunker a salvo de la continua lluvia de bombas que asolan la ciudad.

Enfocada desde el máximo rigor histórico, el Hundimiento traza con absoluto detalle la cronología final de la vida de Hitler y de la Alemania Nazi. El tema central de la película es el descenso de Hitler en la locura, aunque el director se toma su tiempo en retratar a las principales figuras del régimen. Puntualmente hay escenas bélicas, pero la mayor parte del tiempo la historia se desarrolla en un lúgubre bunker de Berlín.

La gran estrella de la película es sin lugar a dudas Bruno Ganz en una interpretación de Hitler que nada tiene que envidiar al auténtico. El resto de actuaciones también resultan muy convincentes, aunque a mi juicio se le ha otorgado demasiado protagonismo a la secretaria, que si bien es la conductora de la película, como es fácil imaginar no tiene la menor relevancia.

La ambientación, como viene siendo general en las películas de la Segunda Guerra Mundial, es impoluta. Aunque no es una película bélica en el sentido tradicional, hay un desfile continuo de uniformes alemanes.

Conclusión:

Propiamente dicho, El Hundimiento no es tanto una película sobre los nazis como sobre Hitler. Con el rigor de un documental, el Hundimiento recrea de forma apasionante la guerra desde una perspectiva muy distinta al que estamos habituados. El gran acierto del director ha sido saber  despojarse de prejuicios y hacer un retrato objetivo, aunque sin renunciar

Nota: 8/10

Ghost in the Shell 2: Innocence.

Hoy le echamos el guante a Innocence,  secuela indirecta de la Ghost in the Shell original que ya analizamos en este mismo blog. Producida en el 2004: diez años después de la película original y un año después que la no menos laureada serie de anime. La franquicia nos demuestra que no está dispuesta a estancarse con otra magnífica pieza de cine de animación.

En esta ocasión la protagonista habitual de la saga, la Mayor Kusanagi, se encuentra en paradero desconocido. Será otro de los miembros de la Sección 9, Batou, quien toma el papel principal durante una investigación conducida por dicha unidad. Su objetivo: desentrañar las causas de unos misteriosos asesinatos perpetrados por robots de compañía. Como ya es tradición en el mundo de Ghost in the Shell, tras una argumento sencillo se ocultan profundas reflexiones e implicaciones filosóficas que van plegándose alrededor del mismo como las capas de una cebolla

Empezemos por el que considero objetivamente como único apartado negativo: No es tan original como la primera película. La razón es de sentido común, pues muchos de los temas que trata ya habián sido abordados previamente en su precuela, o en la serie. A nivel de argumento se percibe como menos perfecta, quizás por ser más predecible.

Técnicamente nos hallamos ante un tipo de animación perfectamente actual, tanto en personajes como en fondos. Pese a tener 9 años a sus espaldas la calidad y el detalle que destila el apartado le permiten destacar aún a día de hoy, y a pesar de toda la competencia que ha surgido en el sector de la pirotécnia.  A nivel artístico, la película da un paso más lejos respecto a la original: No se conforma con la ciencia ficción convencional, y la ambientación se acerca más a lo etnográfico y lo abstracto. Esos elementos le otorgan una singular atmósfera, capaz de reinventar visualmente la saga permaneciendo fiel a ella. La música de Kenji Kawai vuelve a sus orígenes con temas que recuerdan a su obra previa.

Si analizamos el guión, nos encontramos con que es nulamente funcional. En la práctica, se haya monopolizado por reflexiones filosóficas y metáforas. Las cuales son la mayor parte de las veces acertadas, pero no evitan transmitir cierta sensación de búsqueda de trascendencia, que sería criticable de no ser porque sabe encontrarla. Como curiosidad: diría que una de las mayores influencias de las que se nutre el guión es la obra de Isaac Asimov, que muestra algunas similitudes en varios de los enfoques que presenta la película.

Conclusión:

Podríamos copiar la conclusión del análisis de la primera GitS, y no dejaría de ser cierto. Si bien esta película pierde parte del factor de impacto al repetir concepto argumental, esto se compensa con un planteamiento estético más transgresor, que supone la base de un apartado visual al que es dificil poner pega alguna. Presentado todo ello a un ritmo calmado y bien establecido, con sumo cuidado por el detalle, resultan en un producto que es por méritos propios, un referente del del cine de animación. Imprescindible.

Nota:  8/10

El Rey León (Músical)

Aunque lo habitual en este blog es analizar películas o series, en esta ocasión me gustaría centrar la atención en otra suerte de entretenimiento, si bien es cierto que, conceptualmente, no se aleja demasiado de su referente en el cine.

La obra, cuyo argumento es idéntico al de su película homónima, se estructura en dos actos. La primera parte es introductoria, y de un ritmo relajado. De la mano del joven Simba, nos introduce en los coloridos escenarios y emulaciones de los selváticos animales. La segunda parte, con Simba ya crecido, está más estrechamente relacionado con el sencillo argumento.

A medio camino entre obra de teatro y musical, El Rey León se articula como una obra donde las escenas teatrales se alternan con escenas musicales con ocasionales coreografías. Destacan poderosamente las atractivas canciones, fenomenalmente interpretadas y escenificadas, aunque no debemos dejar que el conjunto nos ciegue, pues algunas letras están poco desarrolladas. La parte más teatral del espectáculo sirve como conductor de las continuas tonadas, y destaca especialmente por lo llamativo de los vestuarios y escenografía. Rompiendo con la tónica, las coreografías me parecieron un tanto decepcionantes y más bien mediocres, algo que ni los disfraces pudieron ocultar.

La escenografía resulta fundamental a la hora de ambientar adecuadamente la obra. Mucho más limitado que el cine en este aspecto, se consigue gracias a una cuidada elección cromática y el uso inteligente de las luces. Los disfraces son la guinda que consigue una impecable puesta en escena.

Si nos referimos a los actores, los resultados son desiguales. Por un lado tenemos al joven simba (no referiré nombre pues desconozco cual de los múltiples actores que interpretan ese papel daba vida al personaje) cuya actuación fue excepcional y superó con mucho todas mis expectativas. Dignos de mención son también Sergi Albert que encarna al antagonista, y en menor medida David Comrie que da vida al padre de Simba. Pero son las tres hienas las que merecen ser el foco de todos los elogios, con unas actuaciones magistrales; y de entre ellas, aún destacaría a Damaris Martinez.

Más floja es la actuación del Simba adulto, que no esta a la altura de su contrapartida infantil. Las leonas, que vendrían a ser la contraposición de las hienas, resultaron frías y distantes. Simba, uno de mis personajes favoritos cuando vi la película hace muchos años, me pareció bastante insípido, aunque por las risas del auditorio, debí ser el único al que se lo pareció.

Conclusión:

Tanto si te gusta el teatro como si no, es una obra imprescindible de ver. Muy ligera en las formas, que no en el tiempo, sobran los detalles con los que poder deleitarse. Las numerosas prorrogas que se le han concedido atestiguan la conveniencia de asistir. Lo peor:  la nefasta interpretación de la chaman.

Nota: 8/10

Lost in Translation

Sofía Coppola (de los Coppola de toda la vida) es la encargada de traernos esta original propuesta que hoy desglosamos. La película nos hace partícipes de las impresiones que experimentan los protagonistas: Bob Harris (Bill Murray) y Charlotte (Scarlett Johansson). El primero, una vieja gloria hollywoodiense que se gana la vida como imagen publicitaria de una marca de Wiskey. La segunda, una estudiante de Yale recién graduada que acompaña a su novio en viaje de trabajo. Ambos desconocidos, en el extranjero, alojados en el mismo hotel y en plena crisis existencial, llegarán a empatizar entre sí como no podrían haber imaginado. Y todo esto con Tokyo, no como telón de fondo, si no como tercer protagonista.

En el apartado técnico tenemos un trabajo excelente en cuanto a fotografía y ambientación lograda, con un inteligente uso de la iluminación capaz de transmitir pesimismo en forma de cielos nublados y luces blandas. Pocas películas hay que sepan captar de forma tan genuina el espíritu de una urbe como Tokyo: Si bien es cierto que la ciudad da para mucho más de lo que refleja la película, estamos ante un retrato fidedigno compuesto a base de firmes pinceladas de dirección.  El montaje  sin llegar a ser absorbente, no pierde fuelle y logar mantener un ritmo lento pero constante. El apartado sonoro merece una mención especial, y es precisamente por su práctica ausencia de BSO: Los silencios son un recurso constante en esta película  y se hallan perfectamente gestionados. Silencios maravillosos que hipnotizan, que evocan, que sugieren.

En cuanto a narrativa e historia, tiene metas bastante sencillas que cumple sobradamente. El trasfondo de los personajes nos es narrado con mínimo detalle, centrándose la película en la interacción entre estos. El guión  alcanza un nivel notable, está escrito con ingenio y aprovechando muchas de las situaciones derivables del choque cultural. Mucho más cerca de una ironía lacónica que del drama, el perfil del guión se mantiene en un tibio termino medio que plasma a la perfección el desencanto de los personajes con su entorno. Las actuaciones están a la altura de las circunstancias: Tanto Bill Murray como Scarlett Johansson están insuperables. A parte, debo comentar que aunque pueda parecer que toman algunos de los elementos más pintorescos de la cultura japonesa, e incluso exageren situaciones para conseguir mayor impacto,  esta película está hecha desde el profundo conocimiento de la sociedad japonesa.  No es un publireportaje de La Sexta que pretenda ridiculizar a nadie, el respeto está ahí y eso se nota.

Conclusión:

Elocuente y original fábula sobre el aislamiento, el desencanto y las barreras culturales. Esta película demuestra la importancia de mantener la ilusión por lo que hacemos, y lo hace mediante una historia sencilla que si adolece de algo es de sencillez. Construida sobre una fotografía capaz de descubrir y relatar la poesía de Tokyo, asegurada por un buen guión y cortejada por unos monumentales silencios que nos invitan a concentrarnos en las imágenes. Estamos sin duda ante una película tan original como recomendable, no sin advertir la importancia que tiene dejarse llevar por su calmado planteamiento.

Nota: 8/10